Le héros d’animation,

un outil marketing

En animation, le personnage, son apparence et son design ont une importance colossale. Le cinéma fonctionne autrement. Leonardo DiCaprio a sombré dans l’Atlantique, joué un survivant dans la neige, magouillé en Bourse. Il y a mille DiCaprio, mais Mickey Mouse est toujours unique. C’est ce qui distingue l’animation du cinéma.

Créer un héros comme Mickey Mouse n’est pas simple. Mais l’effort en vaut la peine, surtout à Hollywood. Dans l’animation grand public, l’essentiel ou presque, c’est le merchandising créé à partir des personnages.

Regardez. On reconnaît Mickey Mouse à ses seules oreilles. C’est son principal atout en termes de marketing.

Reconnaissance immédiate

Jouons à un jeu. Regardez les silhouettes de ces personnages animés.

Y en a-t-il que vous n’avez pas reconnus ?

Je suis sûre que vous les avez presque tous reconnus. Au pire, vous vous êtes dit « ah, c’est celui-là… » Pourquoi est-ce important ?

Le premier élément d’un personnage mémorable, c’est la forme. Le shape. La silhouette. Il faut que le spectateur reconnaisse le héros instantanément. C’est une loi de base du marketing. Les logos fonctionnent ainsi : ils sont conçus pour évoquer la marque immédiatement.

Il en va de même pour un personnage. Sur les t-shirts, les mugs, les stickers, il apparaît en entier, pas seulement sa tête ou ses yeux.

Sa forme doit donc a) être reconnaissable et b) rester simple. Les lignes, angles et fioritures inutiles sont supprimés, seul l’essentiel demeure.

Voyez comment Pixar crée ses personnages définitifs à partir de formes simplifiées.

Ce n’est pas simple. Créer un personnage exige des tonnes de papier et d’esquisses. Voici les croquis de « Ratatouille » de Pixar.

Un détail clé

Voyons quelques techniques essentielles pour créer un personnage mémorable.

Si l’on vous demande ce qui distingue les Simpson des autres héros, vous répondrez sans doute comme moi : le jaune.

C’est le détail phare des Simpson. Leur couleur. Pas un simple jaune : un jaune nucléaire. Mais un jaune agréable pour l’œil. Ni citron, ni orangé. Un jaune qu’on aime regarder. Voyez à quoi ressembleraient les Simpson avec une peau humaine ordinaire.

Regardez maintenant les Simpson dans leur version d’origine. Leur créateur, Matt Groening, avait alors réalisé plusieurs courts métrages avec eux. Avant la diffusion télé, les personnages ont été retravaillés et simplifiés. La version simplifiée est nettement plus vive et plus nette.

Autre exemple où la couleur joue un rôle colossal : Shrek. Demandez à n’importe qui « Qu’est-ce qui distingue Shrek ? », on vous répondra sans doute « Il est vert », ou au moins « Il est énorme et vert ». Le vert est une couleur de peau tout à fait atypique, sauf chez un animal.

Une couleur plutôt désagréable à l’œil, mais les créateurs ont veillé à ce que Shrek n’ait pas l’air méchant : un peu gauche, généreux, le public l’adopte très vite.

Notez d’ailleurs que des personnages qui semblent purement inventés ont souvent un modèle réel. Celui de Shrek est le catcheur Maurice Tillet.

Dernier exemple : Bob l’éponge. J’ai encore du mal à imaginer comment son créateur, Stephen Hillenburg, a osé inventer un personnage-éponge. L’idée est audacieuse, et la diffuser l’était plus encore, mais ce fut payant : la série a connu un immense succès. Soulignons-le encore : Bob n’est ni un animal, ni un humain, ni un extraterrestre, ni un ogre. C’est une éponge. Une simple éponge de cuisine.

L’exagération

C’est aussi une technique de base de l’animation. Elle n’est pas toujours utilisée, mais elle rend le personnage bien plus marquant. L’exagération visuelle s’applique surtout aux humains, mais pas seulement. Inutile d’amplifier l’image de Bob l’éponge : être une éponge suffit déjà à capter l’attention. Voyons d’autres personnages.

Voici « Les Indestructibles » de Pixar. Observez les corps disproportionnés de presque tous les héros. Petites jambes ou grosse tête, pieds minuscules ou épaules gonflées à l’excès. Et surtout, leurs proportions fonctionnent aussi les unes par rapport aux autres.

Voici un personnage moins connu, mais l’un des premiers grands personnages de l’histoire de l’animation : Betty Boop. Voyez comme sa tête est agrandie par rapport à son corps. En général, une grosse tête sert un personnage « mignon », un peu infantile, qui évoque l’enfance, car ces proportions sont celles des enfants. Peut-être les auteurs voulaient-ils une héroïne à la sensualité assumée, impossible à montrer trop ouvertement dans les années 1930. Il fallait lui donner des traits purement cartoon.

Cela n’a guère aidé : pour l’époque, l’héroïne était si audacieuse que le projet a fini par être arrêté par la censure.

Psychophysique

Regardez cette courte vidéo de Pixar, une seule scène de « Vice-versa ».

Voyez comme les personnages bougent différemment. Joie, Tristesse, Colère, Peur, Dégoût. Chacun exprime son émotion à sa façon. Leur démarche, leurs mouvements diffèrent selon la manière dont ils sont dessinés. Colère, lourde, carrée, pataude ; Peur, nerveuse, élastique. Tout ce travail vise à distinguer chaque personnage, pour qu’on les reconnaisse non seulement à leur allure, mais aussi à leur comportement.

La voix du personnage

La façon de parler d’un personnage compte autant que son apparence. Pensez un instant à Winnie l’ourson avec la voix de Leonov. Puis à la voix du loup de « Attends un peu ! ». Puis à celle du choucas qui dit « C’est moi, le facteur Pechkin, j’apporte un colis pour votre garçon ». Je suis sûre que vous les entendez jusqu’aux intonations et aux pauses.

Car la voix est essentielle. Vous vous souvenez du rire de Masyanya ? C’est sa signature, avec la forme de sa tête. Les antagonistes étirent les mots avec ironie ou sarcasme, leur voix est souvent rauque et grave. Mais un héros peut aussi avoir une voix rauque et grave. Winnie l’ourson, justement : il n’est jamais méchant, il parle par à-coups, avec des pauses (pour réfléchir), peu, et sans malice.

Autre exemple : Stewie dans « Les Griffin ». Que dire de lui ? Une tête en ballon de rugby et une voix d’homme grave. Deux détails marquants, et surtout, Stewie se distingue du reste de la famille Griffin. Cela souligne ses qualités.

Dans notre studio, nous inventons des héros vivants et marquants, dont le public se souvient. Pour une vidéo d’animation mémorable pour votre produit, écrivez-nous

Personnage-impression

Si Mickey Mouse ou Masyanya sont des personnages complexes, riches de toute une gamme d’émotions, il suffit parfois d’un héros porteur d’une seule émotion. Cela fonctionne souvent dans les spots sociaux, les publicités courtes, les projets qui visent un effet précis.

C’est le cas de Mr. Freeman, créé par le studio de Pavel Muntyan. Vous vous en souvenez ?

Cette créature a un charme négatif et suscite plutôt des associations désagréables, ce qui ne la rend pas moins fascinante.

Hayao Miyazaki procède de même. Son univers mériterait un article à part, mais concentrons-nous sur ses seconds rôles, qu’il rend absolument magiques et uniques.

Kaonashi, le « Sans-Visage », est connu de presque tous. L’essentiel pour l’auteur : produire une forte première impression. Le héros est mystérieux, insaisissable, inconnu.

Il se révèle de diverses façons dans les films, mais l’important est le trouble qu’il suscite d’emblée. Cela passe par des traits vagues, creux (pas de pupilles, pas de nez, pas de visage à proprement parler : c’est un masque), mais aussi par la transparence du dessin. Un procédé très audacieux, que peu d’animateurs et de studios emploient. Un personnage transparent est plus difficile à animer, mais Miyazaki en est capable.

Un personnage porteur d’une seule émotion : c’est le procédé le plus courant pour les méchants. Quand le spectateur n’a pas à choisir quoi ressentir, car l’artiste l’a décidé pour lui, la tâche est plus simple.

Les ressemblances entre méchants sautent aux yeux. En général : traits secs et maigres, menton et nez allongés, sourcils froncés vers le nez. Même notre Shapoklyak a ces traits.

Un héros vivant

Quand l’animation veut faire vivre une histoire avec le héros, le suivre, partager ce qu’il ressent, il faut qu’il soit vivant. En animation de marionnettes ou en papiers découpés, c’est doublement difficile : les personnages sont faits de papier, de feutre, de papier mâché et que sais-je encore. Comment leur donner vie ?

Si vous n’avez pas vu « Le Conte des contes », regardez-le. Voici son héros, le petit loup. Son histoire : un proche de l’auteur, Youri Norstein, a trouvé dans un journal la photo d’un chaton repêché vivant, une pierre attachée au cou. Quelqu’un avait, semble-t-il, voulu le noyer.

Le photographe a pris un cliché, et Norstein n’a jamais oublié les yeux de ce chaton. Ce sont ces yeux qu’il a donnés au petit loup du « Conte des contes ».

Voilà comment un auteur rend un héros vivant. Comment il anime un personnage de papier ou de pâte à modeler pour que le spectateur vive l’histoire avec lui.

Regardez maintenant les yeux du robot WALL-E de Pixar. Ils étaient sans doute l’enjeu principal, car les auteurs s’étaient fixé un défi a priori impossible : créer un robot vivant. C’est d’ailleurs un procédé clé du storytelling chez Pixar. Pour savoir comment s’écrivent les scénarios d’animation, lisez ici

Ce qui rend WALL-E vivant, ce sont bien sûr ses yeux. D’abord, ils sont inclinés l’un vers l’autre, procédé classique pour un héros « bon et un peu sacrificiel ». Ensuite, ils sont expressifs, immenses, et suscitent une empathie immédiate.

Bref, l’analyse du héros d’animation montre qu’un bon personnage a une silhouette simple et lisible (pas toujours, mais c’est important pour un personnage mémorable), une façon de parler, des mouvements et des mimiques uniques. Notons que chez Disney, ce n’est pas toujours le cas : les princesses se ressemblent plus qu’elles ne se distinguent par leur comportement et leurs manières. On le sait, la complexité de la production pousse de nombreux studios à utiliser des modèles pour les mimiques et les émotions. Et plus un personnage est unique, plus il coûte souvent cher à produire.

Mais l’essentiel est de rendre le personnage vivant. Tous ces procédés aident le spectateur à s’attacher au héros, mais le talent des auteurs compte énormément, tout comme leur amour inconditionnel pour leurs personnages, même les méchants.

Autrice : Sasha Potapova

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